13. Синтез искусств в искусстве. Музыка и изобразительное искусство.

Синтез искусств в искусстве. Музыка и изобразительное искусство.

            Связи между искусствами существовали всегда. В одни эпохи они были большими, в другие – меньшими. Можно провести параллели между музыкой и живописью в Западной Европе послеантичной эпохи.

           В эпоху Возрождения в живописи возникли новые жанры: пейзаж, портрет, натюрморт, бытовая сценка. Им соответствовали и соответствующие жанры в музыке, правда, появившиеся гораздо не сразу. Очень многие произведения были "изобразительными", хотя ещё не программными. В музыке этой поры изображается всё, что только можно изобразить: гроза в концерте "Лето" из цикла "Времена года" Вивальди, птичьи голоса ("Ласточка" и "Кукушка"Дакена, и "Концерт птиц " Дандрие, "Влюблённый соловей" Куперена", "Курица" Рамо), звук почтового рожка ("Каприччио на отъезд возлюбленного брата" Баха"). 

          Кроме звукоподражательных, появляются и другие музыкальные пьесы, соответствующие живописным. Особенно много их у Куперена: это "Застенчивая" и "Сумрачная" (портрет), "Будильник" (натюрморт),  "Сборщики винограда" и "Жнецы" (бытовая сценка). Не забыты и мифические ("Козлоногие сатиры" Куперена), и библейские (нашествие саранчи в оратории Генделя "Израиль в Египте") образы.

          В эпоху классицизма связи между музыкой и живописью ослабевают. В эту пору каждое из искусств вырабатывает свои самостоятельные "идеальные" формы, которые  чаще всего не связаны друг с другом. Изображения моря в "Ифигении в Авлиде" Глюка и "Идоменее" Моцарта, "Пасторальная" симфония Бетховена – это скорее предвестники романтизма.

Изобразительное искусство постоянно вдохновляет музыкантов. Ференц Лист признавался, что Рафаэль и Микеланджело помогли ему понять Моцарта и Бетховена. Роберт Шуман считал, что для композитора изучать Рафаэлевские картины так же полезно, как художникам чувствовать симфонии Моцарта.

         Благотворная роль музыки сказалась и на работе художников. «Без музыки я не мыслю жизни», - говорил Репин. Когда живописец создавал свою первую большую картину «Воскрешение дочери Иаира», его младший брат, студент консерватории, играл на рояле «Лунную сонату» Бетховена. И вместе с красками на полотно как бы проникали эти звуки, помогая художнику внести ноты скорби в картину.

        «Хорошая живопись – это музыка, это мелодия», - говорил великий итальянский художник Микеланджело Буонарроти. Илья Ефимович Репин отмечал, что красочный колорит картин Рембрандта звучит, как дивная музыка оркестра. Аналогию между красками в живописи и тембрами в музыке Римский-Корсаков считал «несомненной». Много общего между музыкой и живописью можно найти даже в терминах, которые употребляют музыканты и художники. И те и другие говорят о тональности, о колорите и красочности полотен и музыкальных сочинений.

         Наивно было бы думать, что каждая картина, на которой изображены люди, играющие на каких-либо инструментах или поющие, «излучает» музыку. Многие художники вообще не думали об этом, хотя часто прибегали к «музыкальным» сюжетам. Первые изображения музицирующих людей пришли к нам из глубокой древности. В Египте на стенах храмов запечатлены целые музыкальные ансамбли – юноши и девушки, играющие на кифарах, лютнях, гобоях. В Древней Греции ни одно изображение певца Орфея не обходилось без лиры, которую он непременно держал в руках. В средние века и в эпоху Возрождения появилось немало полотен и скульптур с поющими ангелами. Святые играли на органе. Или же странствующие музыканты перед восхищённой толпой народа исполняли свои бесхитростные мелодии, извлечённые из волынок, дудочек, виол.

И хоть в старину, особенно в эпоху Ренессанса, живописцы несколько свысока смотрели на музыкантов, так как тогда царицей искусств была именно живопись, в некоторых картинах, изображающих музицирование, они старались подсказать зрителю, что же исполняется героями их сюжетов. Так, на полотне неизвестного мастера XVI века «Музыкантши», хранящемся в Эрмитаже, три молодые женщины занимаются музицированием – две из них играют на старинных инструментах, а третья поёт. Перед ними – нотные листы. Теперь эти ноты расшифрованы. Оказалось, что женщины исполняют арию «Я дам вам радость» популярного в те времен композитора Клодена де Сермизи.

Или ещё пример. На картине итальянского художника эпохи Возрождения Микеланджело Караваджо «Лютнист», также из собрания Эрмитажа, юноша исполняет мадригал композитора Аркадельта «Вы знаете, что я вас люблю». Об этом говорят ноты, помещенные перед музыкантом. Долгое время считали, что в нотной тетради набросан случайный набор знаков. Но художник, столь тщательно выписавший все детали на холсте, даже крохотную трещинку на лютне, не мог позволить себе такую вольность.

         О музыкальности живописи всерьёз стали думать живописцы-романтики, с первой трети прошлого века. Они сознательно, используя особые живописные приёмы, стремились, «Лютнист» чтобы их картины были «напоены» музыкой. Музыка жила в композиции полотен, в гармонии красок, в музыкальности ритмов, в игре светотени, в колорите. У романтиков звучал пейзаж, исторические картины и особенно – портреты.

         Французский живописец-романтик Эжен Делакруа любил писать портреты музыкантов. И даже не зная, кто изображён на холсте, можно, взглянув на него, сразу догадаться, что это – музыкант. Вот, к примеру, живописное изображение великого польского композитора Фридерика Шопена. На огненном фоне – напряжённое лицо аскета, погружённого в мучительную думу. Живописными мазками обозначены контуры головы, выступающей словно из пламени. Невольно ощущается музыкальный напор, который вырывается с полотна, слышатся звуки его романтически-мятежной и проникновенной музыки.

          С тех пор живописцы, создавая картины на музыкальные темы, заботятся о их «звучании».

Русские художники и поэты, русские музыканты всегда обладали удивительной способностью глубоко проникать в психологию другого народа и передавать в своих сочинениях национальный колорит иной страны, оставаясь при этом русским.

         Карл Брюллов провёл в Италии более десяти лет. Здесь сформировалась его творческая манера, окрепло мастерство живописца. Брюллов был пленён людьми, искусством, красками, самим воздухом этой страны. Восхищёнными глазами смотрел он вокруг, и эта радость вылилась на его полотна и акварели. Гоголь, хорошо знавший Италию, первым заметил, что полотна Брюллова дышат той внутренней музыкой, которой наполнены живые предметы природы.

         В 1833 году Карл Брюллов, находясь в Италии, завершил картину «Последний день Помпеи», которая принесла ему мировую славу. Изображая действительное историческое событие, свершившееся 24 августа 79 года нашей эры, когда под лавой и пеплом извергавшегося Везувия был погребен целый город с двумя тысячами жителей, художник думал о своих современниках. Разбушевавшаяся стихия напоминала ему современные события – взрыв народного возмущения в Европе против тирании. Картина потрясла итальянцев. Они увидели в ней не только совершенную живопись, но и глубокую идею, созвучную времени.

Картина была написана в традициях классицизма, требовавшего трагизм жизни преображать в нетленную красоту. Несмотря на извержение вулкана, принесшего страдания и смерть, ни одна фигура на полотне Брюллова, ни одно лицо, ни единое платье не измазаны ни грязью, ни пеплом. Нет ни пятна крови, хотя в центре композиции лежит мёртвая женщина. Всё возвышенно, благородно. Герои её, по замечанию Гоголя, заглушают ужас своего положения своею торжествующей красотой.

Незыблемые правила классицизма требовали, чтобы композиция живописного полотна была театральна, по-оперному нарядна.

                                                   

12. Синтез искусств. Массовые представления и мероприятия. Вертеп и карнавал. Театр итальянских масок.

КОММЕДИА ДЕЛЬ АРТЕ

Коломбина, Арлекин, Пьеро, Бригелла, Панталоне и др.

Коммедиа дель Арте (Комедия дель Арте, итал. Commedia dell'Arte, от commedia - «комедия, театр» и l'arte - «ремесло, умение, профессия») - традиционный итальянский уличный театр, называемый также «комедией масок». Зародился в X веке в Венеции, в городских шествиях и карнавалах. В XIV-XV веках в разных городах Италии на уличных подмостках основные роли играли жонглеры и буффоны (шуты). К середине XVI века сложилось название «Коммедиа дель Арте», в котором подчеркивалось новое, профессиональное начало, отличное от любительского, карнавального. Это отличие закреплялось «масками» - постоянными персонажами со своими костюмами, атрибутами и сценическими пассажами (Арлекин; Бригелла; Капитан; Ковьелло; Коломбина; Доктор; Панталоне; Пульчинелла; Пьеро; Скарамуччья; Тарталья). Характер этих масок создавал образы, получившие дальнейшее развитие в театральном искусстве XVII-XVIII вв.

Арлекин (итал. Arlecchino, фр. Arlequin) — персонаж итальянской комедии дель арте, второй дзанни; самая популярная маска итальянского площадного театра. Представляет северный (или венецианский) квартет масок, наряду с Бригеллой (первым дзанни), Панталоне и Доктором.

Происхождение: Уроженец Бергамо, переехавший в поисках лучшей доли в богатейший город — Венецию.

Занятие: слуга.

Костюм: крестьянская рубаха и панталоны, обшитые разноцветными заплатками — кусками ткани в форме ромбов. Костюм очень красочный; преимущественно жёлтый, но встречаются куски разных цветов — зелёный, голубой, красный. На голове у него шапочка, украшенная заячьим хвостиком. На поясе кошель. Обут в очень легкие туфли, которые позволяют ему свободно перемещаться и совершать акробатические трюки.

Маска: черного цвета с огромной бородавкой на носу. Лоб и брови нарочито выделены, с черными взъерошенными волосами. Впалые щеки и круглые глаза указывают на его обжорство.

 Поведение: Арлекин весел и наивен, не так умён, не так ловок, не так изворотлив, как Бригелла, потому легко совершает глупости, но следующие за этим наказания воспринимает с улыбкой. Он лентяй и ищет любой возможности увильнуть от работы и подремать, он обжора и бабник, но при этом учтив и скромен. И если Бригелла вызывает восхищение своей ловкостью, то Арлекин должен вызывать сочувствие к его смешным невзгодам и ребяческим горестям.

Коломбина (Colombina,    от итал. colomba — «голубка») — традиционная маска итальянского народного театра Коммедиа дель Арте. Вначале этот кокетливый женский персонаж назывался Фантеска (итал. Fantesca — «Куколка») или Серветта (итал. Servetta — «Служанка»). Имя «Коломбина» появилось в 1560 году у исполнительницы этой роли Т. Бьянконелли. Ее изображали на рисунках и гравюрах в широкой крестьянской юбке и с корзиной в руках, в которой сидят две голубки. Позднее имя «Коломбина» стали относить и к другим актрисам в этой роли.

Пьеро, Пьерро (франц. pierrot — «воробей») — персонаж комического театра. Появился во Франции в 1680-х годах в результате переработки традиционных масок итальянского народного театра Коммедиа делъ Арте — Арлекина и Бригеллы, слуг — дзани. Пьеро играл роли глуповатого и простодушного лакея, безнадежно влюбленного в Коломбину. Его традиционный костюм — застегнутый спереди огромными пуговицами белый балахон с широкими и длинными рукавами. С образом Пьеро связано выдающееся произведение изобразительного искусства (намного превосходящее границы традиционной комической маски) — картина А. Ватто.

Пульчинелла (итал. Pulcinella - «Цыпленочек», от pulcino — «цыпленок») — традиционная маска итальянского народного театра Коммедиа дель Арте. Появилась в Южной Италии, в Неаполе, в конце XVI веке в качестве второго дзани (слуги). На рисунках и гравюрах Пульчинеллу изображают в смешном балахоне с длинными рукавами, с воротником типа жабо, в шутовском колпаке или широкополой шляпе. У него длинный нос и глупая улыбка. Пульчинелла может играть роль слуги, торговца, солдата, вора или разбойника. Он глуп, смешон, но ловок, изворотлив. Во Франции эту маску называли Полишинель (Polichinelle), в Англии — Панч (Punch).

Панталоне (Pantalone — возм., от итал. pianta leone — «водружатель льва») — ироничное прозвание венецианских тор­говцев и кондотьеров, водружавших на подчиненных землях знамя с эмблемой — изображением льва Св. Марка Евангели­ста, герба Венеции. В XVII—XVIII вв. — традиционная маска итальянского народного театра. Представляет венецианца с диалектом, мало понятным жителям других областей Италии.Панталоне — старик-торговец, скупец, притворяющийся больным; считает себя хитрее всех, но его всегда одурачивают. Панталоне — женолюб, в пьесах он «волочится за юбками», но все время оказывается в нелепых ситуациях, становится жертвой чьих-либо проделок. В итальянских народных картинках его изображают в красной куртке, красных панталонах (широкие штаны, обязанные своим названием имени этого персонажа), в желтых туфлях, красной шапочке и в черном плаще. Характерные приметы Панталоне — длинный горбатый нос, седые усы и борода. Предшественником маски Панталоне считают древнеримского ателлана (ак­тера из г. Ателлы) по прозванию Паппус (лат., из греч. pappus — «дед, старик»), который изображал скрягу-ловеласа — непременного персонажа всех античных комедий.

Вертеп

(нем. Christschau, польское Szopka, от нем. Schoppen — хлев или сарай) — так называются в Малороссии, Польше, Белоруссии и некот. местах Сибири представления, имеющие целью изобразить Рождество Христово и связанные с ним события. В наш старый театр В., по-видимому, проникли из Польши, не ранее конца XVI столетия. На Западе издавна существовали духовно-театральные обряды, исполнявшиеся на Рождество (см. Мистерии). Отсюда им легко было проникнуть в католическую Польшу, а затем и в Малороссию. Польская szopka, ставшая в то время (XVI в.) обычным рекреационным занятием польских семинаристов, ходивших по городам и селам со своим миниатюрным театром, на нашем юге получила название "вертепа". Этот род духовно-театральных представлений был очень популярен на Украйне и только в последние два десятилетия начал исчезать. Серьезность содержания вертепного действия не помешала проникнуть в него народному юмору. В лице Ирода, воинов, избивающих младенцев, пастухов, пришедших поклониться Христу и др. нередко воплощались типы чисто местного характера.

Карнавал

 (от итал. carnevale — карнавал, из лат. carnem levāre — «убрать мясо» (ср. с русским «мясопуст»), начало поста) — праздник, связанный с переодеваниями и красочными шествиями. Аналогичен славянской Масленице. Распространен в католических странах и восходит к языческим обычаям Римской империи. По времени обычно предшествует Великому посту, откуда и происходит название. Сопровождается массовыми народными гуляньями с уличными шествиями и театрализованными представлениями.

  

Карнавал появился в IX—X в. К этому времени относятся наиболее ранние упоминания о периодических городских празднествах в разных городах Западной Европы. Первые карнавалы появились в Италии — Венецианский карнавал, где раньше всего появились большие независимые города. Затем появились карнавалы во Франции, позже всего — в Германии: Майнце, Дюссельдорфе и Кёльне.

Народно-праздничные формы обычно составляли вторую, неофициальную половину праздника, тогда как первая была связана с выполнением определённых церковных ритуалов. Лишь в XVIII и XIX вв. они разделились, и карнавал стал существовать как один из видов массовых развлечений.

Главнейшая часть любого карнавала — шествие по главным улицам города. Ведущий его мотив — изобилие, происходящее от древнейших праздников урожая. Оно может быть выражено в огромных кучах сельскохозяйственных продуктов, цветов, кушаний, которыми кормят всех желающих. Всё происходящее во время шествия носит подчёркнуто игровой характер. Основная фигура на карнавале — шут. Он задаёт тон и шествию, и представлению, которое затем развёртывается на центральной площади города.

11. Искусство 20 века. Абстракционизм, кубизм, сюрреализм и т.д.

НАПРАВЛЕНИЯ В ИСКУССТВЕ

     АБСТРАКТНОЕ ИСКУССТВО (АБСТРАКЦИОНИЗМ) - беспредметное искусство, нонфигуративное искусство, направление художественного творчества, не использующее изображение окружающего мира в привычных формах. Предметы и свои эмоции абстракционисты передают с помощью определенных элементов художественной формы (цветовое пятно, линия, фактура, объем). Неизобразительные картины сложно организованы по ритмике и цвету. Абстрактное искусство возникло в 1910-13 гг. в ходе расслоения кубизма, экспрессионизма, футуризма. В России абстрактное искусство после Октябрьской революции развивалось как андерграунд. С 1990 г. оно выступает на одном уровне с другими формами художественного творчества.

      ИМПРЕССИОНИЗМ - направление в искусстве XIX - начала XX вв. Появилось во Франции после выставки 1874 г., на которой была экспонирована картина К. Моне "Впечатление. Восходящее солнце". В своих картинах импрессионисты стремятся запечатлеть как бы случайно пойманный взглядом преходящий момент непрерывного течения жизни, сохранить свежесть первого впечатления. Под влиянием французского импрессионизма сложилось творчество таких русских художников, как К. А Коровин, В.А. Серов, Н.Э. Грабарь и др.

      ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ - условное обозначение основных направлений французской живописи на рубеже XIX и XX в. Мастера постимпрессионизма искали новые и более выразительные для этой эпохи средства. Характерно активное взаимовлияние индивидуальных направлении и отдельных творческих систем, причем творчество ведущих мастеров (прежде всего Сезанна, Ван-Гога, Гогена, Тулуз-Лотрека) дало толчок к развитию многих направлений и тенденций искусства XX в.

       КУБИЗМ - модернистское течение, возникшее в первой четверти XX в. Отказавшись от традиционного реалистического искусства, представители направления обратились к первичным элементарным формам (куб, шар, цилиндр, конус), конструировали объемные формы на плоскости. Сильное влияние на развитие кубизма оказали Писассо, Брак, Грис. В России кубизмом увлекались Малевич, Татлин и др.

     СЮРРЕАЛИЗМ - одно из ведущих авангардистских направлений в художественной культуре XX в. В 1924 г. вышел "Манифест сюрреализма" Бретона. Опираясь на интуитивизм Бергсона и на теорию психоанализа Фрейда, сюрреализм ратовал за раскрепощение подсознательных процессов человеческой психики, высвобождение подавленных болезненных состояний, комплексов. В изобразительном искусстве основные методы - вычленение конкретных объектов из их среды, парадоксальное соединение их с другими объектами. Мастера этого направления Эрнст, Сальвадор Дали.

10. Синтез искусств. Храмовые комплексы и ансамбли.

ХРАМОВЫЕ КОМПЛЕКСЫ

Пирамиды в Гизе

Близ Гизы в Ливийской пустыне сохранился величественный комплекс пирамид-гробниц фараонов Хеопса (Хуфу), Хефрена (Хафра) и Микерина (Менкаура), сооружённый в 1-й половине III тыс. до н. э. и причислявшийся эллинистической литературой к «семи чудесам света». Рядом с ними — Большой Сфинкс, Музей Солнечной Ладьи. В залах бывшего дворца вице-короля размещается музей Египетских древностей.

Пирамида Хеопса (Хуфу) — крупнейшая из египетских пирамид, единственное из «Семи чудес света», сохранившееся до наших дней. Предполагается, что строительство, продолжавшееся двадцать лет, закончилось около 2560 года до н. э.[1] Известны десятки египетских пирамид. На плато Гиза самые крупные из них — пирамиды Хеопса (Хуфу), Хефрена (Хафра) и Микерина (Менкаура). Архитектором Великой пирамиды считается Хемиун, визирь и племянник Хеопса. Он также носил титул «Управляющий всеми стройками фараона». Более трёх тысяч лет (до постройки кафедрального собора в Линкольне, Англия, около 1300 года) пирамида являлась самой высокой постройкой на Земле.

Пирамида Хефрена (точнее — Хафры) — вторая по величине древнеегипетская пирамида. Расположена рядом с Великим Сфинксом, а также пирамидами Хеопса (Хуфу) и Микерина на Плато Гиза. Построенное предположительно в середине XXVI века до н. э. сооружение высотой в 143,5 м получило название Урт-Хафра («Хафра велик» или «Почитаемый Хафра»).

Хотя пирамида Хафры и уступает размерами пирамиде его отца Хуфу, её положение на более высоком холме и её более крутой склон делают её достойной соперницей Великой

Пирамиды.

Пирамида Менкаура (известна также как «Пирамида Микерина») — самая южная, поздняя и низкая из трёх египетских пирамид в Гизе. Вопреки прозвищу «Херу» (высокая), она едва достигает 66 м в высоту, а длина стороны её основания составляет 108,4 м. Её объём в 260 тыс. м³ составляет только десятую часть объема пирамиды Хуфу: это был конец эпохи больших пирамид. Внутренность пирамиды обнаруживает отсутствие единства плана: вероятно, первоначальные скромные размеры, рассчитанные не на наследника престола, увеличены с его воцарением. Пирамида Менкаура несколько выбивается из общей картины построек в Гизе, и в античности её постройку иногда приписывали не Микерину, а жившей во времена Амасиса II гетере Родопис.

Несмотря на небольшие размеры пирамиды (считающиеся признаком упадка), по свидетельствам очевидцев, пирамида Менкаура была прекраснейшей из всех пирамид. Потенциал строителей пирамиды Менкаура был огромен, как об этом свидетельствует один из монолитов, использованных в заупокойном храме Менкаура. Его вес оценен в более чем 200 тонн. Водворение на место блока такого размера, самого тяжелого на плато Гиза, было подлинным техническим подвигом. Колоссальная статуя сидящего царя из центральной капеллы храма — одна из самых огромных в эпоху Древнего царства — превосходное доказательство мастерства ваятелей фараона. Для произведений скульптуры времени правления Менкаура было характерно высочайшее качество художественного исполнения. Её лучшими образцами были статуи из грауваки, среди которых — новый тип скульптурной группы: триады. Тщательность исполнения, привнесенная в строительство царской пирамиды, названной Нечери-Менкаура («Божествен Менкаура»), является другим свидетельством этого стремления к качеству исполнения.

Примерно на треть своей высоты пирамида была облицована красным асуанским гранитом, дальше его сменяли белые плиты из турского известняка, а вершина, по всей вероятности, тоже была красная гранитная

Акрополь

Храмовый комплекс Акрополя, Афины

К наиболее значительным архитектурным комплексам относится центральный афинский архитектурный ансамбль Акрополь, представляющий собой мастерское произведение строительного искусства, возведенный виднейшими мастерами в середине и первой половине V в. до н. э.

Асимметричный ансамбль Акрополя, блестящий пример единого композиционного замысла, включал в себя следующие сооружения:

- главный храм Парфенон (447—438 гг. до н. э., Иктйн и Калликрат);

- парадный вход на западном склоне Акрополя — Пропилеи (437—432 гг. до н. э., Мнесикл);

- грандиозную статую Афины-воительницы - Промахос, созданную скульптором Фидием;

- построенные позже небольшой храм Афины-Победительницы, или Нике Аптерос ("Бескрылая") (449—421 гг. до н. э., Калликрат) и Эрехтейон — храм посвященный Афине и Посейдону (421—407 гг. до н. э. Архилох и Филокл).

Форум

Римский Форум (лат. Forum Romanum) — площадь в центре Древнего Рима вместе с прилегающими зданиями. Первоначально на ней размещался рынок, позже она включила в себя комиций (место народных собраний), курию (место заседаний Сената) и приобрела также политические функции.

Форум служил центром общественной жизни, и из повседневного общения людей эволюционировало тематическое общение, носящее все признаки того, что мы сегодня называем форумом.

Московский Кремль

Архангельский собор

Архангельский собор возведен в 1505-1508 годах итальянским архитектором Алевизом Новым. Величественное здание главного великокняжеского храма - усыпальницы поражало современников необычностью своего внешнего облика.

      Фасады Архангельского собора покрывает геометрически ясная и строгая ордерная декорация, как бы “наложенная” Алевизом Новым на традиционную для Руси конструктивную схему шестистолпного крестово-купольного храма с каноническим пятиглавием и позакомарным покрытием.

Успенский собор

     Успенский собор возведен в 1475-1479 годах итальянским архитектором Аристотелем Фиораванти на месте двух более древних храмов.

     Все этапы строительства главного храма государства с большой полнотой отражены в летописях. За образец итальянскому зодчему было предложено взять Успенский собор города Владимира - пятиглавый крестово-купольный храм XII века. Выполняя заказ, Аристотель Фиораванти повторил в своей постройке наиболее существенные черты прославленного образца, но при этом сумел творчески соединить их с ренессансным пониманием архитектурного пространства.

Благовещенский собор

             Благовещенский собор возведен в 1484-1489 годах той же артелью псковских мастеров, что и церковь Ризположения на митрополичьем дворе. Он расположен в юго-западном углу Соборной площади на месте каменной церкви Благовещения XIV века. Уже эта древняя церковь служила придворным храмом великого князя. Она была поднята на высокий подклет и соединялась с дворцом крытым переходом. В 1416 году храм перестраивается, он увеличивается в размерах и становится трехапсидным. При этом стены древнего подклета утолщаются новой белокаменной кладкой почти вдвое.

            В ходе реконструкции Кремля при Иване III мастера-псковичи вновь разобрали храм до подклета и, укрепив последний, возвели над ним новый кирпичный собор, окружив его со всех сторон галереями-папертями на подклетах, со всходом.

Колокольня Ивана Великого

              Колокольня Ивана Великого была построена в 1505-1508 гг. вместо белокаменной церкви Иоанна Лествичника “иже под колоколы”, возведенной при Иване Калите на Соборной площади. Итальянский архитектор Бон Фрязин создал ярусное сооружение - “восьмерик на восьмерике” высотой около 60 м, завершающееся главой. В первом ярусе был размещен престол древнего храма.

          В конце ХVI в. Борис Годунов, мечтая построить в Кремле Вселенский храм по образу Иерусалимского, приказал увеличить размеры колокольни, надстроив ее высоким барабаном с золоченой главой. В результате высота столпа вместе с крестом достигла 81 м. На протяжении двух веков “Иван Великий” оставался самым высоким зданием на Руси.

Царь-колокол

           С восточной стороны колокольни Ивана Великого на каменном постаменте установлен Царь-колокол, являющийся выдающимся памятником русского литейного искусства ХVIIIв. Он был отлит по указу императрицы Анны Иоанновны в 1733-1735 гг. потомственными московскими литейщиками, колокольных дел мастерами И.Ф.Моториным и его сыном Михаилом. До настоящего времени это самый большой колокол в мире. Его вес почти 202 тонны, высота 6,14 метров, диаметр 6,6 метров.

             Известный мастер И.Ф Маторин, отливший в 1702 г. по заказу Петра I 115 артиллерийских стволов, а также несколько кремлевских колоколов, том числе и Набатный, был привлечен к изготовлению Царь-колокола после неудачной попытки поручить эту работу французскому королевскому механику Жерменю.

          История создания колокола сопряжена с многочисленными трудностями, неудачами и катастрофами. Формовка и отливка его производилась в специальной яме, вырытой на Ивановской площади к востоку от звонницы. Для изготовления рельефного орнаментального украшения колокола были вызваны петербургские резчики по дереву В.Кобелев, П.Галкин, П.Кохтев, П.Серебряков и мастер формовального дела П.Луковников. Недавно стало известно и имя скульптора – это Ф.Медведев, получивший образование в Италии. Подготовительные работы заняли почти два года. Лишь в конце 1734 г. в специально устроенных печах началась плавка металла, но через некоторое время была обнаружена его утечка из печей и плавку пришлось остановить. Возникший при этом пожар уничтожил подъемные деревянные конструкции, возведенные над колоколом. После ликвидации аварии работы были возобновлены, но в августе 1735 г. последовала смерть мастера И.Ф.Маторина и окончание их было возложено на его сына.

            В ноябре 1735 г. литье Царь-колокола благополучно завершилось, но по непонятной причине он длительное время оставался в яме, где его и застал страшный пожар, известный под названием Троицкого, возникший в Кремле в мае 1737 г. При тушении огня вода попала на раскаленный металл колокола, неравномерное охлаждение вызвало его растрескивание, при этом от колокола откололся кусок весом 11,5 тонн.

Царь-пушка

            Царь-пушка, установленная в настоящее время с западной стороны Ивановской площади, между колокольней Ивана Великого и церковью Двенадцати апостолов, является самым выдающимся произведением русского оружейного мастерства. Она изготовлена по приказу царя Федора Ивановича в 1586г. придворным литейщиком Андреем Чоховым на московском Пушечном дворе. По калибру, который составляет 890мм, это самая большая пушка в мире, за что она и названа Царь-пушкой. Ее вес приближается к 40 тоннам. Бронзовый ствол пушки украшен литыми фигурными фризами, орнаментальными поясами, памятными надписями и конной фигурой царя Федора Ивановича.

            По своему устройству Царь-пушка является боевым орудием, однако некоторые особенности конструкции не позволяют отнести ее ни к одному из известных нам типов артиллерийских орудий. В старых документах пушка называлась “Дробовиком”. Это, а также конструкция ствола позволяют предположить, что пушка предназначалась для стрельбы картечью. В силу исторических обстоятельств Царь-пушке ни разу не пришлось участвовать в боевых сражениях. Четыре ядра, сложенные пирамидой у ее подножья, носят декоративный характер, они полые внутри и были отлиты вместе с лафетом из чугуна в 1835г. на заводе Берда в Петербурге.

Спасская башня (Фроловская)

         Возведена в 1491 году архитектором Пьетро Антонио Солари. Ее строительство положило начало сооружению восточной линии укреплений Кремля. Башня расположена на месте Фроловской стрельницы 1367-1368 годов. Ее ворота, выходящие на Красную площадь, всегда были главным парадным въездом в Кремль. Они особенно почитались в народе и считались святыми. Ворота служили для выездов царя, торжественных выходов патриарха, встреч иностранных послов.

9. СОВЕТСКОЕ ИСКУССТВО

СОВЕТСКОЕ ИСКУССТВО

Ленинский план монументальной пропаганды

    Идея монументальной пропаганды Ленина восходит к утопическому сочинению итальянского философа Томмазо Кампанелла (1568—1639) «Город Солнца», в котором философ излагает свои мысли об устройстве идеального социалистического государства. В беседе с Луначарским Ленин вспоминал то место сочинения, где Кампанелла упоминает украшение стен города фресками.

Основу плана составили два проекта:

1.Украшение зданий и «т. п. мест, где обыкновенно бывают афиши», большими революционными надписями;

2.Постановка памятников великим революционерам, в «чрезвычайно широком масштабе, — памятников временных, из гипса…»

Основные «задачи» советского искусства: «служить народу, отстаивать общее дело борьбы за социализм и коммунизм, нести людям правду, рождать в них творческое начало». Кроме того, важными понятиями были народность и многонациональность.

Политический плакат. Советский плакат

Виды искусства, способные «жить» на улицах, в первые годы после революции играли важнейшую роль в «формировании общественного и эстетического сознания революционного народа». Поэтому наряду с монументальной скульптурой (см. раздел выше) самое активное развитие получил политический плакат. Он оказался самым мобильным и оперативным видом искусства[4].

В период гражданской войны этот жанр характеризовался следующими качествами: «острота подачи материала, мгновенная реакция на быстро меняющиеся события, агитационная направленность, благодаря которой и сложились главные черты пластического языка плаката. Ими оказались лаконизм, условность изображения, четкость силуэта и жеста»[4]. Плакаты были чрезвычайно распространены, печатались большими тиражами и размещались повсеместно.

До революции политического плаката (как сформировавшегося вида графики) не существовало — были только рекламные или театральные афиши. Советский политический плакат наследовал традиции русской графики, в первую очередь — политической журнальной сатиры. Многие из мастеров плаката сложились именно в журналах.

 

 

СОВЕТСКАЯ АРХИТЕКТУРА

1. 1917-1932 гг.

Началом революционных перемен в архитектуре было изменение назначения ряда зданий: в дворцах разместились учреждения, в особняках - рабочие клубы, детские сады и т.д., в многоквартирных доходных жилых домах - трудящиеся.

Стилеобразующими концепциями первого периода были конструктивизм (В. Татлин, А. Родченко и др.) и супрематизм (К. Малевич, В. Кандинский и др.).

В начале 20-х годов архитектура советского авангарда приняла эстафету от левого изобразительного искусства и взяла на себя основную роль в формировании и развитии нового стиля.

Конструктивизм предполагал конструкторско-изобретательское начало, конструирование изнутри, супрематизм предлагал поиски нового стиля через геометризацию форм, через цвет, через создание системы новых форм.

Авангардизм не допускал прямое использование классического ордера.

В 1925 г. возникли первые проекты социалистических городов на базе промышленных гигантов первой пятилетки: Запорожье, Кузнецк, Магнитогорск. Строили "соцгорода" комплексно: вместе с жилыми домами возводили предприятия, магазины, детские учреждения, школы, клубы и т.д.

Промышленное строительство отличалось от дореволюционного современной архитектурной формой, крупными масштабами, четким силуэтом.

Архитектурным сооружением мирового уровня явилось здание Днепрогэса в Запорожье (1929-1932, В. Веснин и др.), величественный образ которого характерен для первого этапа советской архитектуры.

2. 1933-1955 гг.

Советская архитектура предвоенного времени характеризуется монументализацией архитектурного образа, парадной представительностью. Большую роль в выработке стиля этого периода сыграл объявленный в начале 30-х годов конкурс на разработку проекта Дворца Советов в Москве.

Во втором туре конкурса на Дворец Советов (1932) высшими наградами были отмечены проекты, тяготевшие к романтизированному классицизму (И. Жолтовский) и ардеко (Б. Иофан и американец Г. Гамильтон).

Призыв к исполнению "как новых, так и лучших приемов классической архитектуры" был воспринят как программная установка всей советской архитектуры. В 1939 г. началось строительство Дворца Советов (Б. Иофан, В. Щуко, В. Гельфрейх). Строительство было прервано войной, но проект оказал влияние на развитие архитектуры 50-х годов.

В Москве в 1935-1941 гг. был обновлен центр города. Вариантом концепции "здания-монумента" был "стиль Лубянки" - это официальное направление проявилось в образном решении Дома СНК СССР (1932-1936, А. Лангман), построенного на месте сноса старых зданий в центре Москвы.

3. 1956-1990 гг.

Для 60-х годов, характерных внедрением методов науки в творческие области, развитием структурно-типологических исследований, стремлением к точности формулировок, выводов, определений, времени НТР, типично увлечение пространственно-трансформируемыми решетчатыми конструкциями, сборными элементами, где доминируют сетчатые орнаменты, лишенные акцентов. Это привело к появлению методов машинного проектирования, типологическому единообразию и стандартизации в сфере строительного искусства и архитектуры.

Создаются крупные жилые массивы преимущественно на свободных городских землях. Началось строительство многоэтажных односекционных крупноблочных зданий башенного типа. В начале 60-х годов появились дома из вибропрокатных панелей. Лаконизм форм при функционально-эстетически обоснованных объемно-планировочных решениях, отразивших стилевые особенности 60-х годов, проявился в сооружении ансамбля проспекта Калинина (Новый Арбат) (1962-1968, М. Посохин и др.).

В начале 90-х гг. в Москве начался строительный бум. В историческом центре города было построено несколько тысяч новых зданий. На смену однотипной и лаконичной по формам блочной архитектуре 70-80-х гг. пришло разнообразие форм, стилей и материалов. Стали применяться высокие технологии, появились дома со стеклянными стенами, несущими конструкциями и деталями из титана. Это направление в архитектуре называется хай-тек (англ. high tech, сокращение от high technology - "высокая технология").

Однако особенно популярными стали исторические стили, которые отвечают традиционному характеру столичного ландшафта.

Мотивы старой московской архитектуры, например кремлёвских башен, заметны даже в постройках из стекла и железа, которые тоже увенчиваются башенками. Это направление получило название "московский стиль".

8.КАРТИНЫ НА ЭКЗАМЕН

Представлены репродукции картин, скульптур и архитектурных объектов, которые необходимо знать на экзамене.  

ВОПРОСЫ,ВИКТОРИНЫ, КОНКУРСЫ

БИЛЕТЫ ПО ИСКУССТВУ

9 КЛАСС

1. Виды искусств. Пространственные, временные, пространственно - временные искусства.

2. Виды и жанры искусств. Виды пейзажа. История пейзажа, как жанра искусства.

3. Виды и жанры искусства. Виды портрета.

4. Виды и жанры искусств. История натюрморта.

5. Как соотносится красота и польза на примере памятников архитектуры.

6. Крупнейшие художественные музеи страны. Третьяковская картинная галерея.

7. Крупнейшие художественные музеи страны. Русский музей.

8. Крупнейшие художественные музеи страны. Эрмитаж.

9. Крупнейшие художественные музеи страны. Музей изобразительных искусств им.

    А.С. Пушкина.

10. Синтез искусств в искусстве. Музыка и изобразительное искусство.

11. Героический пафос в монументальной скульптуре, живописи. Батальный и исторический жанр 

      в искусстве.

12. Сказки, мифы и легенды в музыке, кино, изобразительном искусстве.

13. Искусство и власть. Искусство Советского Союза.

14. Идеология и искусство. Искусство плаката на примере СССР, Германии, Англии, США.

15. Синтез искусств. Храмовые комплексы и ансамбли.

16. Синтез искусств. Массовые представления и мероприятия. Вертеп и карнавал. Театр 

      итальянских масок.

17. Искусство 20 века. Абстракционизм, кубизм, сюрреализм и т.д.

18. Искусство дизайна. Развитие дизайна и его значение в жизни современного общества.

19. Стили в искусстве. Мода.

20. Фольклор. Декоративно-прикладное искусство. Кантри, фолк, ориентализм.

21. Понятие «стиль» в искусстве. Традиции и современность.

22. Кинематограф. Виды и жанры кино.

23. Компьютерные технологии и искусство. Полиграфия и дизайн. Виды графики.

24. Изображение различных представлений о системе мира. «Идеальный мир» в искусстве.

25. Культурологические концепции культуры (Шпенглер и Сорокин, Бердяев и Гумилев).

МУЗЫКА

1. Джаз-дитя двух культур.
2. Мастер миниатюры. Творчество Ф.Шопена
3. Авангардная музыка
4. Авторская музыка. Творчество Б.Окуджавы, В.Высоцкого
5. Симфонический оркестр. Основные группы и инструменты
6. Моцарт. «Реквием»
7. Шостакович. Симфония № 7
8. Мюзикл. «Нотр Дам де Пари»
9. Античная культура. Греческие ордера.
10. Русская музыка. «Могучая кучка»
11. Импрессионизм. Синтез искусств : музыка и живопись.
12. Бах – наш современник.
13. Истоки театрального искусства.
14. Ансамбль. Творчество «Биттлз», «Песняров».
15. Мифы Древней Греции. Их отражение в искусстве.
16. Опера. История жанра.
17. Бетховен. «История любви». Соната № 14.
18. Балет. Творчество П.И.Чайковского
19. Семь чудес Древнего мира.
20. Прокофьев. Традиции и новаторство.
21. Музыка, рожденная революцией. «Марсельеза», «Интернационал».
22. С.Рахманинов. Романсы.
23. Архитектурные особенности трех основных религий.
24. Понятие духовности в музыке.
25. "Времена года" в искусстве