ВОПРОСЫ,ВИКТОРИНЫ, КОНКУРСЫ

БИЛЕТЫ ПО ИСКУССТВУ

9 КЛАСС

1. Виды искусств. Пространственные, временные, пространственно - временные искусства.

2. Виды и жанры искусств. Виды пейзажа. История пейзажа, как жанра искусства.

3. Виды и жанры искусства. Виды портрета.

4. Виды и жанры искусств. История натюрморта.

5. Как соотносится красота и польза на примере памятников архитектуры.

6. Крупнейшие художественные музеи страны. Третьяковская картинная галерея.

7. Крупнейшие художественные музеи страны. Русский музей.

8. Крупнейшие художественные музеи страны. Эрмитаж.

9. Крупнейшие художественные музеи страны. Музей изобразительных искусств им.

    А.С. Пушкина.

10. Синтез искусств в искусстве. Музыка и изобразительное искусство.

11. Героический пафос в монументальной скульптуре, живописи. Батальный и исторический жанр 

      в искусстве.

12. Сказки, мифы и легенды в музыке, кино, изобразительном искусстве.

13. Искусство и власть. Искусство Советского Союза.

14. Идеология и искусство. Искусство плаката на примере СССР, Германии, Англии, США.

15. Синтез искусств. Храмовые комплексы и ансамбли.

16. Синтез искусств. Массовые представления и мероприятия. Вертеп и карнавал. Театр 

      итальянских масок.

17. Искусство 20 века. Абстракционизм, кубизм, сюрреализм и т.д.

18. Искусство дизайна. Развитие дизайна и его значение в жизни современного общества.

19. Стили в искусстве. Мода.

20. Фольклор. Декоративно-прикладное искусство. Кантри, фолк, ориентализм.

21. Понятие «стиль» в искусстве. Традиции и современность.

22. Кинематограф. Виды и жанры кино.

23. Компьютерные технологии и искусство. Полиграфия и дизайн. Виды графики.

24. Изображение различных представлений о системе мира. «Идеальный мир» в искусстве.

25. Культурологические концепции культуры (Шпенглер и Сорокин, Бердяев и Гумилев).

МУЗЫКА

1. Джаз-дитя двух культур.
2. Мастер миниатюры. Творчество Ф.Шопена
3. Авангардная музыка
4. Авторская музыка. Творчество Б.Окуджавы, В.Высоцкого
5. Симфонический оркестр. Основные группы и инструменты
6. Моцарт. «Реквием»
7. Шостакович. Симфония № 7
8. Мюзикл. «Нотр Дам де Пари»
9. Античная культура. Греческие ордера.
10. Русская музыка. «Могучая кучка»
11. Импрессионизм. Синтез искусств : музыка и живопись.
12. Бах – наш современник.
13. Истоки театрального искусства.
14. Ансамбль. Творчество «Биттлз», «Песняров».
15. Мифы Древней Греции. Их отражение в искусстве.
16. Опера. История жанра.
17. Бетховен. «История любви». Соната № 14.
18. Балет. Творчество П.И.Чайковского
19. Семь чудес Древнего мира.
20. Прокофьев. Традиции и новаторство.
21. Музыка, рожденная революцией. «Марсельеза», «Интернационал».
22. С.Рахманинов. Романсы.
23. Архитектурные особенности трех основных религий.
24. Понятие духовности в музыке.
25. "Времена года" в искусстве

7.МУЗЕИ РОССИИ

             

МУЗЕИ РОССИИ

Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина

    Датой основания Музея изобразительных искусств им. А.С. Пушкина считается 17(29) августа 1898 года. Именно в этот день в Москве на бывшем Колымажном дворе, близ Храма Христа Спасителя на Волхонке состоялась закладка нового, созданного на общественные средства, московского музея - Музея изящных искусств имени императора Александра III. Этому событию предшествовали годы напряженного труда его создателя профессора Московского университета Ивана Владимировича Цветаева (1847-1913), а также группы московских и петербургских ученых. Новый музей был задуман в первую очередь как университетский учебный центр, его основу составили гипсовые воспроизведения (слепки) скульптурных оригиналов. Гипсовые отливки изготовлялись крупнейшими фирмами того времени, многие делались специально по заказу И.В. Цветаева. Спустя 14 лет, в мае 1912 года музей был открыт под звуки торжественной кантаты, специально написанной к этому событию. Коллекция слепков была пополнена великолепными коллекциями подлинных произведений искусства. Это и коллекция древнеегипетских памятников (около 6000 предметов), которую собрал во время путешествий по Египту петербургский востоковед В.С. Голенищев, и произведения итальянских художников XII-XIV веков из собрания М.С. Щекина. Собранием подлинников музей окончательно стал во второй половине 1920-1930-х годов, когда в результате перераспределения музейных фондов страны возникла картинная галерея. Она объединила работы зарубежных художников из бывшего Румянцевского музея, собраний С.М. Третьякова, Юсупова, Шуваловых, Г.А. Брокара, Д.И. Щукина и других коллекционеров. Это были картины нидерландских и немецких мастеров, фламандских и испанских живописцев XVII века, итальянских художников XIII-XVII столетий, французских авторов XIX века. Однако решающее значение для формирования картинной галереи имели поступления из Государственного Эрмитажа. Оттуда "пришли" в Москву работы крупнейших европейских живописцев - Боттичелли, Рембрандта, ван Дейка, Рубенса, Пуссена, Мурильо, Каналетто.

    В 1932 году Музей изящных искусств был переименован в Музей изобразительных искусств, в 1937 году ему было присвоено им. А.С. Пушкина. Облик картинной галереи музея окончательно определился в 1948 году, когда она пополнилась произведениями художников, главным образом французских, конца XIX-начала XX века (286 ед.) из собрания бывшего Музея нового западного искусства в Москве. Это были картины Э. Мане, К. Моне, Ренуара, Дега, Писсарро, Сислея, Сезанна, Ван Гога, Гогена, Матисса, Марке, Руо, Пикассо и других, купленные в свое время русскими собирателями С.И. Щукиным и И.А. Морозовым. В рамках картинной галереи сформировалась и значительная коллекция подлинной западноевропейской скульптуры и прикладного искусства.

Коллекция ГМИИ представляет собой собрание произведений западного искусства от античности до XX века.

Первоначально коллекция была сформирована И. В. Цветаевым из гипсовых копий античных скульптур, копий римских скульптур и мозаик, а также купленной государством коллекции подлинных древностей египтолога Голенищева.

В апреле 1923 г. Наркомпрос принимает решение о создании в здании Музея изящных искусств Центрального музея старой западной живописи на основе собраний Государственного музейного фонда, Московского Публичного и Румянцевского музеев, собрания Первого музея старой западной живописи (коллекция Д. И. Щукина), собрания Г. А. Брокара и других частных коллекций, национализированных после революции. В течение года в Музей поступают картины, а в ноябре 1924 года открываются первые залы новой картинной галереи.

В 1930 году в ГМИИ из Эрмитажа были переданы картины Боттичелли, Кранаха, Пуссена и Давида.

После окончания Второй мировой войны в ГМИИ поступила большая часть картин из Дрезденской галереи, а также Клад Приама, найденный Генрихом Шлиманом на месте древней Трои. Впоследствии собрание Дрезденской галереи было возвращено властям Восточной Германии. Однако некоторые ценности, принадлежавшие западногерманским музеям и частным коллекционерам, остались в ГМИИ.

В 1948 г. был закрыт Государственный музей нового западного искусства (ГМНЗИ), и его собрание было поделено между Пушкинским музеем и Эрмитажем. В результате ГМИИ получил большую часть конфискованных советской властью собраний московских купцов Сергея Щукина и Ивана Морозова, состоящих из картин Ренуара, Ван Гога, Моне, Дега, Сезанна, Матисса, Пикассо и других западноевропейских и американских мастеров конца XIX — начала XX веков (около 300 картин и свыше 60 скульптур).

 В основном это были работы французских импрессионистов и постимпрессионистов, являющиеся сейчас гордостью и основой экспозиции ГМИИ. В музее находятся, принадлежавшие Ивану Морозову картины «Красные виноградники в Арле» Ван Гога и «Девочка на шаре» Пабло Пикассо. Пикассо, Девочка на шаре. Эдгар Дега, Танцовщицы в голубом.

В 2005 году была обособлена Галерея искусства стран Европы и Америки XIX—XX веков (расположенная теперь во флигеле усадьбы Голицыных), многие картины, находившиеся после ликвидации ГМНЗИ в запасниках, пополнили постоянную экспозицию музея.

Сейчас коллекция ГМИИ им. А. С. Пушкина насчитывает свыше 560 тысяч произведений живописи, графики, скульптуры, произведений прикладного искусства, памятников археологии и нумизматики, художественной фотографии.

  

Государственная Третьяковская галерея

ГТГ (известна также как Третьяковка) — художественный музей в Москве, основанный в 1856 году купцом Павлом Третьяковым и имеющий одну из самых крупных в мире коллекций русского изобразительного искусства. Экспозиция в главном корпусе «Русская живопись XI — начала XX в» (Лаврушинский переулок, д. 10) является частью Всероссийского музейного объединения «Государственная Третьяковская галерея», образованного в 1986 году.

Коллекция музея

К 1917 году коллекция Третьяковской галереи насчитывала около 4 000 произведений, к 1975 — 55 000 произведений. Собрание Галереи постоянно росло за счёт планомерных государственных покупок.

В настоящее время коллекция включает русскую живопись, графику, скульптуру, отдельные произведения декоративно-прикладного искусства XI — начала XXI веков.

Вторая половина XIX века

Особенно полно представлена русская живопись второй половины XIX века. Третьяковская галерея обладает самым лучшим собранием работ передвижников (В. Г. Перов, И. Н. Крамской, Г. Г. Мясоедов, К. А. Савицкий, В. Е. Маковский, В. М. Васнецов, А. К. Саврасов, И. И. Шишкин, В. Д. Поленов и др.).

Многогранно представлено творчество И. Е. Репина (в том числе «Не ждали», «Иван Грозный и сын его Иван») и В. И. Сурикова (в том числе «Утро стрелецкой казни», «Меншиков в Берёзове», «Боярыня Морозова»), В. В. Верещагина, скульптора М. М. Антокольского.

Конец XIX — начала XX веков

Основные художники, представленные в коллекции: И. И. Левитан, М. А. Врубель, В. А. Серов, К. А. Коровин, М. В. Нестеров, Б. М. Кустодиев, Н. К. Рерих, мастеров «Мира искусства» (А. Н. Бенуа, К. А. Сомов и др.), Союза русских художников, «Голубой розы», «Бубнового валета» и др.

Явление Христа народу, Царевна-лебедь,Богатыри, Троица, Грачи прилетели, Утро в сосн ,

Сват майора, Рожь

Русский музей

Русский музей - первый в стране государственный музей русского изобразительного искусства, основан в 1895 году в Санкт-Петербурге по Указу императора Николая II. Торжественно открылся для посетителей - 19 марта (7 марта по старому стилю) 1898 года.

               В 1889 году вопрос об основании в Петербурге публичного музея национального искусства был, казалось, решен окончательно. Легенда связывает это решение Александра III с картиной И. Репина «Николай Мирликийский избавляет от смерти трех невинно осужденных», приобретенной императором с 17-ой выставки Товарищества передвижников (1889г.). Тогда же, по свидетельству одного из современников, государем и была высказана мысль — основать всенародный музей, в котором сосредоточивались бы все лучшие произведения искусства.

               Основан российским императором Николаем II в память о своём родителе — императоре Александре III.   

             В музее находятся :

         Карл Брюллов, «Итальянский полдень», Карл Брюллов, «Последний день Помпеи",  

 Иван Айвазовский, «Девятый вал» , Илья Репин, «Бурлаки на Волге», Виктор Васнецов, «Витязь на распутье» , Валентин Серов, «Портрет Иды  Рубинштейн» ,

К. С. Петров-Водкин, «Богоматерь. Умиление злых сердец». Архангел Гавриил  (Ангел Златые власы), Серов В.А. Дети,   Серов В.А. Портрет княгини Ольги  Орловой , 

В Русском музее находится большой эскиз "Явления Христа народу" (сама картина – в Государственной Третьяковской галерее в Москве).                        

          Там же находятся : Серов В.А. Портрет княгини З.Н. Юсуповой,Брюллов К.П. Автопортрет. 1849  "Грешница" Поленова, "Ермак" Сурикова, картины Репина "Садко", "Св. Николай", "Запорожцы", Врубель М.А. Шестикрылый серафим, Серов В.А. Похищение Европы. 1910. ГРМ, Серов В.А. Портрет княгини Ольги Орловой.

                                            

Государственный Эрмитаж

 в Санкт-Петербурге (от фр. ermitage — место уединения, келья, приют отшельника, затворничество) — крупнейший в России и один из крупнейших в мире художественных и культурно-исторических музеев.

Свою историю музей начинает с коллекций произведений искусства, которые начала приобретать в частном порядке российская императрица Екатерина II. В 1852 из сильно разросшейся коллекции был сформирован и открыт для посещения публики Императорский Эрмитаж.

Современный Государственный Эрмитаж представляет собой сложный современный музейный комплекс. Основная экспозиционная часть музея занимает шесть величественных зданий, расположенных вдоль набережной реки Невы в центре Санкт-Петербурга, главным из которых является Зимний дворец.

С 1990 года пост директора Государственного Эрмитажа занимает Михаил Борисович Пиотровский, сменивший на этом посту своего отца, известного историка и археолога Бориса Борисовича Пиотровского.

На сегодняшний день коллекция музея насчитывает около трёх миллионов произведений искусства и памятников мировой культуры, начиная с каменного века и до нашего столетия.

Частная коллекция Екатерины Великой

Эрмитаж возник в 1764 как частное собрание Екатерины II, после того как в Берлине через агентов она приобрела у коммерсанта И. Гоцковского коллекцию из 220 произведений голландских и фламандских художников. Поначалу большинство картин размещалось в уединённых апартаментах дворца, получивших французское название «Эрмитаж» (место уединения).

В 1769 году в Дрездене для Эрмитажа была приобретена богатая коллекция саксонского министра графа Брюля, насчитывавшая около 600 картин, в том числе пейзаж Тициана «Бегство в Египет», виды Дрездена и Пирны кисти Беллотто и пр.

Важнейшую роль для Эрмитажа сыграла покупка Екатериной в Париже коллекции живописи барона Кроза в 1772. Это собрание во многом предопределило «лицо» картинной галереи. Преобладали картины итальянских, французских, фламандских и голландских мастеров XVI—XVIII века. В их числе — «Святое Семейство» Рафаэля, «Юдифь» Джорджоне, «Даная» Тициана, картины Рембрандта, произведения Рубенса, Ван Дейка, Пуссена, пейзажи Клода Лоррена и работы Ватто.

Коллекция живописи британского премьер-министра Уолпола, приобретенная в 1779, добавила ряд шедевров Рембрандта (среди них «Жертвоприношение Авраама» и «Немилость Амана») и группу портретов кисти Ван Дейка. Импульсом к развитию графического собрания послужило приобретение более 5 тысяч рисунков из коллекции Кобенцля в Брюсселе в 1781, в которой находился портрет неизвестного работы Жана Фуке.

Еще одной значительной покупкой Екатерины стала коллекция английского банкира Лайд-Брауна, которая включала скульптуру Микеланджело «Скорчившийся мальчик», а также античные статуи и бюсты. В Париже была куплена коллекция резных камней герцога Орлеанского. Кроме того, Екатерина заказывала работы Шардену, Гудону, Рентгену и другим мастерам. Ею же были приобретены библиотеки Вольтера и Дидро. В посмертной описи имущества Екатерины 1796 г перечисляются 3996 картин[источник не указан 307 дней].

Эрмитаж в первой половине XIX века

В правление Александра I и Николая I закупаются уже не только коллекции, но и отдельные произведения художников, чьи работы отсутствовали в Эрмитаже. В Риме на распродаже коллекции Джустиниани через Виван-Денона были приобретены «Лютнист» Караваджо и картина Боттичелли «Поклонение волхвов» (ныне в Вашингтоне). В 1819 году была куплена «Мадонна в пейзаже», приписываемая кисти Джорджоне. Жозефина Богарне подарила Александру I камею Гонзага. В 1810-е была приобретена галерея дворца Мальмезон, в том числе работы Рембрандта и Кановы. Еще одной вехой для музея стало приобретение собрания испанской живописи Кузвельта (1814).

Николай I, реализовавший идею превращения Эрмитажа в публичный музей, внес существенный вклад в пополнение картинной галереи Эрмитажа (хотя при советской власти важнейшие из купленных им полотен были проданы в США). На второй распродаже коллекции Кузвельта был куплен шедевр Рафаэля «Мадонна Альба» и «Три Марии у склепа Христа» Аннибале Карраччи. В 1845 г по завещанию Татищева к собранию приобщились диптих Робера Кампена «Троица. Богоматерь у камина», ранний диптих ван Эйка «Распятие. Страшный Суд» и другие работы старых мастеров. Примерно тогда же на аукционе коллекции короля Нидерландов Виллема II были приобретены «Благовещение» ван Эйка, «Пьета» Себастьяно дель Пьомбо и «Снятие с креста» Госсарта. В Венеции купили работы мастеров итальянского Ренессанса, в том числе шедевры Тициана (в том числе «Несение креста») и Пальмы Веккьо.

[

Эрмитаж был открыт в 1852 году, тогда он насчитывал богатейшие коллекции памятников древневосточной, древнеегипетской, античной и средневековой культур, искусства Западной и Восточной Европы, археологических и художественных памятников Азии, русской культуры VIII—XIX веков. В XIX веке в Эрмитаж начинают систематически поступать произведения русских живописцев, впрочем, в 1895 году они были переданы Русскому музею. Важными источниками пополнения фондов во второй половине столетия становятся дарения и закупки у отечественных коллекционеров. В музей передаются материалы археологических раскопок, значительно обогатившие его отдел. К началу XIX века в музее хранилось уже множество (тысячи) полотен, затем в его коллекции появились и новые произведения искусства. В коллекции картин Эрмитажа уже в те времена были очень ценные произведения, в том числе и средневековых мастеров, например, всемирно знаменита картина Рембрандта «Возвращение блудного сына», которая была написана в Голландии в XVII веке, в переломный период между средневековьем и Новым временем.

Эрмитаж после революции

После падения императорской власти Эрмитаж претерпел существенные преобразования. Музей значительно обогатился за счет национализированных частных коллекций. Поступили в числе прочего работы Боттичелли, Андреа дель Сарто, Корреджо, ван Дейка, Рембрандта, Кановы, Энгра, Делакруа. Из Основного собрания Зимнего дворца музей получил множество предметов интерьера, а также преподнесенные Надир-Шахом сокровища Великих Моголов.

В результате перераспределения культурного наследия между музеями Петербурга и Москвы в Эрмитаж влились части московских собраний Сергея Щукина и Ивана Морозова. Если до революции в музее были представлены работы, исполненные не позднее XVIII века, то теперь хронологические рамки коллекции значительно расширились благодаря работам импрессионистов, Сезанна, ван Гога, Матисса, Пикассо и других художников новых направлений.

Вместе с тем, имели место и тяжелые потери. Императорская Рентерия (или Бриллиантовая Комната) Зимнего Дворца была переведена в московский Кремль, послужив основой для Алмазного Фонда. Часть собрания живописи старых мастеров (в том числе некоторые работы Тициана, Кранаха, Веронезе, Рубенса, Рембрандта, Пуссена) была передана в Музей изящных искусств Москвы.

Непоправимый урон собранию нанесли распродажи в 1929-34 годах, в результате которых 48 знаменитых шедевров навсегда покинули Россию.

Во время Великой Отечественной войны основная часть собрания Эрмитажа (более миллиона единиц) была эвакуирована на Урал. Подвалы зданий Эрмитажа превратились в бомбоубежища, и как музей он не работал. Однако сотрудники Эрмитажа продолжали вести научную работу и даже устраивать лекции по искусствоведению.

Еще до окончания войны в залах музея начались восстановительные работы, а вскоре после победы в Ленинград вернулись все эвакуированные культурные ценности, и Эрмитаж был снова открыт для посетителей. Ни один экспонат не был утерян за время войны, и лишь небольшую их часть потребовалось реставрировать.

В 1956 году открылся третий этаж Эрмитажа.

Коллекция музея

Экспозиция музея показывает развитие мирового искусства с каменного века до конца XX столетия. Большое значение имеет собрание первобытного искусства и археологических культур территории бывшего СССР. Представлены так называемые «палеолитические Венеры» из села Костенки, многочисленные образцы керамики, бронзовое литье, каменные плиты с петроглифами. Картинная галерея включает в себя работы западных художников XIII—XX веков. Наиболее полно представлены мастера Италии XVI—XVIII, Франции XVII-начала XX столетия, Испании XVI—XVIII, а также Фландрии и Голландии XVII века. Среди жемчужин собрания старой европейской живописи — Татищевский диптих Робера Кампена, «Мадонна Бенуа» Леонардо да Винчи, «Юдифь» Джорджоне, «Женский портрет» Корреджо, «Св. Себастьян» Тициана, «Лютнист» Караваджо, «Возвращение блудного сына» Рембрандта, «Дама в голубом» Гейнсборо. Музей обладает богатыми собраниями картин Рубенса, Рембрандта, ван Дейка, Пуссена, Тициана, Веронезе, Клода Лоррена, и др. Дама в садуМане, Даная Рембрандт Хармес ван Рейн, Возвращение блудного сына Рембрандт Хармес ван Рейн.

          

6. Пейзаж. Виды пейзажа

          Пейзаж (фр. Paysage, от pays — страна, местность) — жанр изобразительного искусства (или отдельные произведения этого жанра), в котором основным предметом изображения является дикая или в той или иной степени преображённая человеком природа[1].

В зависимости от характера пейзажного мотива можно выделить сельский, городской (в том числе городской архитектурный — ведута), индустриальный пейзаж. Особую область составляет изображение морской стихии — марина. Пейзаж может носить исторический, героический, фантастический, лирический и эпический характер.

Виды пейзажа : исторический, этнографический, индустриальный,  архитектурно-городской,  эпический,  лирический.

Известные российские пейзажисты

Васильев, Фёдор Александрович

Куинджи, Архип Иванович

Левитан, Исаак Ильич

Поленов, Василий Дмитриевич

Рерих, Николай Константинович

Саврасов, Алексей Кондратьевич

Шишкин, Иван Иванович

Юон, Константин Фёдорович

Как самостоятельный жанр пейзаж впервые появляется в средневековом Китае еще в VI в. Пейзажи китайских художников очень одухотворенны и поэтичны. Они как бы вбирают в себя представления о необъятности и безбрежности мира природы. На картине художника X в. Дунь Юаня «Речной пейзаж», исполненной тушью на шелковом свитке, пространство кажется беспредельным, водные глади необъятными, а дали подернутыми мягкой, туманной дымкой. Под влиянием китайской живописи сложился и японский пейзаж.

В европейском искусстве предпосылки для формирования пейзажа как самостоятельного жанра складываются в эпоху Возрождения.

В XVII и XVIII вв. распространяется пейзаж, с топографической точностью воспроизводящий виды отдельных местностей и особенно городов. Замечательными мастерами топографически точных городских видов — ведут были итальянцы Каналетто и Б. Беллотто. Во многих музеях мира можно увидеть их картины с видами городов Европы. В России мастером ведуты был живописец Ф. Я. Алексеев, создавший многочисленные картины с видами Петербурга и Москвы, среди которых особенно выделяется «Вид Дворцовой набережной от Петропавловской крепости»

В первой половине XIX в. в живописи романтизма пробуждается интерес к передаче различных состояний природы, своеобразию национального пейзажа, проблемам пленэра. Крупный вклад в дальнейшее развитие пейзажной живописи внес англичанин Дж. Констебл, писавший свои картины целиком с натуры, умело передававший свежесть зелени, облачное небо, разный характер освещения в различное время дня («Вид на Хайгет с Хэмпстедских холмов», ок. 1834, ГМИИ), а также французские пейзажисты барбизонской школы. Барбизонцы (Т. Руссо, Ж. Дюпре, Н. В. Диаз и др.) открыли красоту сельской Франции, простой, благожелательной человеку природы («В лесу Фонтенбло», «Вид в Барбизоне» Т. Руссо, обе в ГМИИ). Близким барбизонцам по своим художественным исканиям был К. Коро, запечатлевший изменчивые состояния природы, стремившийся с помощью валёров создать ощущение вибрирующей воздушной среды («Воз сена», ок. 1865—1870, ГМИИ).

Романтические традиции играют важную роль в русском пейзаже середины XIX в., особенно в пейзажах М. Н. Воробьева и маринах И. К. Айвазовского. Интерес к пленэру, стремление к философскому осмыслению природы ярко проявились в пейзажных этюдах А. А. Иванова («Ветка», ГТГ). Расцвет русского реалистического пейзажа связан с деятельностью передвижников. Он приобретает эпический размах в полотнах И. И. Шишкина, лирическую насыщенность у А. К. Саврасова («Грачи прилетели», 1871, ГТГ), напряженно-драматический оттенок у Ф. А. Васильева («Перед дождем», 1869, ГТГ). Целый этап в развитии лирического пейзажа составило творчество И. И. Левитана, («Март», 1895; «Весна. Большая вода», 1897; обе в ГТГ), нередко поднимавшегося до возвышенного социально-философского истолкования пейзажного мотива («Владимирка», 1892; «Над вечным покоем», 1894; обе в ГТГ).

Пленэрная живопись, интерес к изменчивой световоздушной среде ярко проявились в творчестве мастеров импрессионизма. Они «портретировали» не только сельскую, но и городскую среду, создали многогранный и динамичный образ современного города («Бульвар капуцинок в Париже» К. Моне, 1873, ГМИИ). Мастера постимпрессионизма перерабатывают принципы импрессионистов. П. Сезанн утверждает монументальность, первобытную мощь природы («Гора Сент-Виктуар», многие варианты.), а В. ван Гог наделяет пейзажные образы тревожным, нередко трагическим эмоциональным значением («Красные виноградники в Арле», 1888, ГМИИ).

В искусстве XX в. признанными мастерами пейзажа стали художники прогрессивных направлений, опирающиеся на реалистическую традицию мирового искусства (Р. Кент ,

Р. Гуттузо в Италии, живописец-абориген А. Наматжира в Австралии и др.).

.

Это вторая часть карточек на зачет. Будет еще третья - натюрморт.

5. Портрет. Виды портрета.

Портрет (фр. portrait, от устаревшего portraire — «изображать») — изображение того или иного человека, произведенное средствами живописи, гравирования или скульптуры, также фотографическое изображение или словесное описание (в частности, в литературе).

Портрет может считаться вполне удовлетворительным, когда воспроизводит оригинал в точности, со всеми чертами его внешности и внутреннего индивидуального характера, в наиболее привычной его позе, с наиболее свойственною ему экспрессией. Удовлетворение этого требования входит в круг задач искусства и может приводить к высокохудожественным результатам, если исполняется даровитыми мастерами, влагающими в воспроизведение действительности свой личный вкус и чувство природы.

В зависимости от размера изображения в живописных портретах различают головные (когда изображена только голова по плечи), погрудные, поясные, поколенные и во весь рост. В отношении позы представленной фигуры различают профильные, «с лица» (en face), в три четверти поворота направо или налево (en trois quarts) и так называемые an profil perdu, то есть изображающие лицо с затылка, так что видна только часть профиля.

Такое же разделение существует и для портретов, рисованных карандашом, писанных акварелью, гравированных и вылепленных высоким или низким рельефом (например, на медалях и монетах). Скульптурные портреты делаются в виде гермов (одна голова с шеей), бюстов (голова и верхняя часть туловища) и статуй (целая фигура, с головы до ног).

В зависимости от назначения, специфики формы, характера исполнения различают также станковые (картины, бюсты, графические листы) и монументальные (скульптурный монумент, фреска, мозаика), парадные и интимные, по числу персонажей — индивидуальные, парные (двойные) и групповые. Специфический тип портрета — автопортрет.

Портретное искусство возникло в глубокой древности; еще за много веков до н. э. оно было в большом употреблении у египтян, как о том свидетельствуют деревянные и каменные статуи, найденные в значительном числе в погребальных постройках этого народа. У древних греков долгое время портрета в строгом смысле слова не существовало; хотя и было в обычае награждать победителей на играх постановкою их статуй на публичных местах, однако это были идеальные фигуры, лишь в общих чертах. Эллинские республики даже запрещали общественным деятелям и частным лицам заказывать свои реалистические портреты, находя их могущими развивать в гражданах тщеславие и противоречащими принципу равенства между ними.

Только в V веке до н. э. впервые явились у греков настоящие портретные гермы и статуи, а именно в числе произведений Димитрия Алопекского, жившего во времена Перикла. Реалистическое направление окончательно утвердилось в портретной скульптуре при Александре Македонском, благодаря Лизиппу и его брату, Лизистрату, который первый стал формовать маски с натуры. Впоследствии портреты размножились не только в пластике, но и в живописи, причём в последней достигли уже большого совершенства, как можно судить по многочисленным доскам с изображением лиц покойников, находимых при саркофагах греко-египетских мумий. Из Греции любовь к портретам перешла к римлянам, которые к прежним родам пластических портретных изображений, статуе и герму, прибавили новый род — бюст. От римской эпохи дошло до нас огромное количество портретных изваяний реалистичных и идеальных, исполненных приезжими в вечный город греческими художниками и их римскими учениками, в том числе поражающих своею экспрессивностью и совершенством технического исполнения (например, две сидящие статуи поэтов Менандра и Позидипа, статуи Еврипида, Демосфена, полководца Фокиона, императора Августа и др. в Ватиканском музее, Софокла, в Латеранском музее, Аристокла и Помпея в Палаццо-Спада, Пиндара и Анакреона в вилле Боргезе в Риме, и пр.).

В Средние века портретный род как скульптуры, так и живописи находился почти в полном упадке, и только с наступлением эпохи Возрождение занял видное место среди других художественных отраслей. В Италии его воскресили прежде всего скульпторы — Дезидерио да Сеттиньяно, Мино да Фьезоле, Антонио Росселлино, Л. делла-Роббиа, Донателло и пр., быстро достигшие блестящих результатов в своем стремлении воспроизводить человеческое лицо верно с действительностью, определенно выражать характеры и, в то же время, соблюдать благородство стиля.

Значительно позже их выступили на тот же путь живописцы, но зато, в период полного расцвета итальянского искусства, явилась целая фаланга даровитых и гениальных художников, которые возвели портрет на степень высоко изящной картины, увековечивающей всю сущность характера данного лица в момент самого яркого ее выражения. Рафаэль, С. дель-Пьомбо, Тициан, Джорджоне, Тинторетто и множество других мастеров прославились столько же своими портретами, сколько и историческими картинами. Еще раньше, чем итальянцы, в XV веке, весьма успешно возделывали портрет в натуралистическом духе нидерландские живописцы, во главе которых стоят братья ван Эйки и Г. Мемлинг. В следовавшем после них развитии нидерландской живописи и по разделении ее на самостоятельные фламандскую и голландскую школу, портрет приобретал все большее и большее значение в деятельности художников и в связи с общим направлением этих школ совершенствовался, главным образом, в отношении колорита и светотени. Величайшими портретистами среди фламандцев были Рубенс и ван Дейк, а среди голландцев — Рембрандт, Ф. Гальс, ван-дер-Гельст и Терборх. Из старонемецких живописцев особенно знамениты как портретисты А. Дюрер и Г. Гольбейн Мл.

Наиболее выдающимися представителями портрета в цветущую пору испанской школы были Веласкес и Карреньо-де-Миранда. С исходом XVII века манерность и условность, водворившиеся вообще в искусстве, помешали портрету удержаться на достигнутой им высоте и даже отодвинули его на второй план как в живописи, так и в скульптуре; тем не менее, конец XVII века и XVIII век произвели таких замечательных портретистов, как П. Миньяр, Г. Риго, Детруа и Н. Ларжильер во Франции, Купецкий, Р. Менгс и А. Граф в Германии, Рейнольдс,Томас Лоуренс и Томас Гейнсборо в Англии, Гойя в Испании, Левицкий и Боровиковский в России.

В это время распространилась любовь к гравированным портретам, а также к исполненным пастелью и миниатюрно акварельным, по части которых явилось много весьма искусных мастеров, что продолжалось до 1850-х годов — до той поры, пока изобретение светописи не сократило запроса на труд этих художников, и общедоступные по своей дешевизне фотографические портреты не стали все более и более входить в обращение вместо дорогих рисованных, писанных и гравированных от руки. При всем том, и в настоящее время портретная живопись, как масляными красками, так и акварелью, не перестает быть отраслью искусства, доставляющей образцовые произведения.

 

ИХ НАДО ЗНАТЬ !

Карточки на зачет.

4. Каждое искусство говорит своим языком. Виды искусств.

Виды изобразительного искусства.

I. Живопись.

Монументальная живопись.

Монументальная живопись — древнейший вид живописи, известен с палеолита (росписи в пещерах Альтамира, Ляско и др.). Благодаря стационарности и долговечности произведений монументальной живописи многочисленные ее образцы остались практически от всех культур, создавших развитую архитектуру, и подчас служат единственным видом сохранившихся живописных произведений эпохи.

Начиная с ранней Античности и до позднего Возрождения, Монументальная живопись наряду с монументальной скульптурой представляет собой один из основных методов декорирования каменных, кирпичных и бетонных (Древний Рим) сооружений. Широко применялась в храмовых и погребальных комплексах Древнего Египта, в архитектуре Крито-Микенской цивилизации. Практически не дошедшая до нас (за исключением мозаики) древнегреческая монументальная живопись, в том числе роспись мраморной и хризоэлефантинной скульптуры, во многом определяла характер восприятия произведений классической и эллинистической пластики и зодчества.

В Древнем Риме, в особенности после древнеримской архитектурной революции, была распространена исключительно широко, в том числе — в оформлении частных жилищ. Мозаика и фреска, широко применявшиеся в храмовой архитектуре Византии, оказали определяющее влияние на развитие древнерусского монументального искусства.

В искусстве европейского Средневековья особого внимания заслуживает беспрецедентное развитие витражной техники. Ведущими мастерами эпохи Возрождения создано множество грандиозных по размаху и виртуозных по исполнению фресок.

Выдающиеся произведения монументальной живописи остались от доколумбовых цивилизаций Американского континента (в частности Майя). В искусстве дальневосточных цивилизаций монументальная живопись занимает особое место, вплотную соприкасаясь с декоративной живописью (искусство Японии).

В современной монументальной живописи активно осваиваются новые материалы мозаики и витража. В росписи исключительно трудоемкая и требующая технической виртуозности фреска уступает место технике «а секко» (по сухой штукатурке), более устойчивой в атмосфере современных городов.

Основные техники монументальной живописи — фреска, а секко, мозаика, витраж.

            Фреска (от итал. fresco — свежий) — живопись по сырой штукатурке, одна из техник стенных росписей, противоположность а секко (росписи по сухому). При высыхании штукатурка образует пленку, делающую фреску долговечной.

 А секко, асекко, альсекко, секко (от итал. a secco — по сухому) настенная живопись по сухой штукатурке, выполняется красками, растёртыми на растительном клее, яйце или смешанными с известью.

           Мозаика (от лат. (opus) musivum — (произведение) посвящённое музам) — разновидность живописи, в которой изображения набираются из разноцветных камней, смальты, керамических плиток и т. д.

           Витражами называются прозрачные картины, рисунки, узоры, выполняемые из стекла или на стекле. Они обычно устанавливаются в световых проемах окнах, дверях, фонарях.

Станковая живопись.

              Пейзаж (фр. Paysage, от pays — страна, местность), в живописи — тип картины, изображающий природу или какую-либо местность (лес, поле, горы, роща, города и др.).

  Портрет (фр. portrait, от устаревшего portraire — «изображать») — изображение того или иного человека, произведенное средствами живописи, гравирования или скульптуры, также фотографическое изображение или словесное описание (в частности, в литературе). Специфический тип портрета — автопортрет.

Натюрморт – один из жанров изобразительного искусства, главным образом – живописи. В натюрморте изображаются только обиходные, т.е. повседневные, обыденные вещи, неодушевленные предметы. Это может быть различная снедь, т.е. пища, посуда, книги, статуэтки и т.п.

            Бытовая живопись занимается изображением сцен из общественной и частной жизни.

Понятие "историческая живопись" не укладывается в отведенные ей жесткие рамки жанра. Бытовая сцена, портрет, пейзаж рано или поздно поднимаются до уровня исторического обобщения и становятся по сути своей произведением, отражающим историю.

II. Декоративно-прикладное искусство.

       Декоративно-прикладное искусство — область декоративного искусства: создание художественных изделий, имеющих практическое назначение в общественном и частном быту, и художественная обработка утилитарных предметов (утварь, мебель, ткани, орудия труда, средства передвижения, одежда, украшения, игрушки и т. д.).

 Батик — ручная роспись по шёлку.

           Гобелен (фр. gobelin) — один из видов декоративно-прикладного искусства, - стенной безворсовый ковер с сюжетной или орнаментной композицией, вытканный вручную перекрестным переплетением нитей.

           Слово керамика (греч. keramos - глина) происходит из греческого языка, и в узком смысле обозначает глину, прошедшую обжиг. Однако современное использование этого термина расширяет его значение до включения всех неорганических неметаллических материалов.

             Вышивание — общеизвестное и распространенное рукодельное искусство украшать самыми разнообразными узорами всевозможные ткани и материалы, от самых грубых и плотных, как, например, сукно, холст, кожа, древесная кора, до тончайших материй в виде батиста, кисеи, газа, тюля и пр.

Среди основных видов декоративно-прикладного искусства выделяют также ювелирное искусство и художественную резьбу, к которой относится резьба по дереву, камню и кости.

III. Скульптура.

            Скульптура (лат. sculptura, от sculpo — вырезаю, высекаю), ваяние, пластика — вид изобразительного искусства, произведения которого имеют объёмную форму и выполняются из твёрдых или пластических материалов.

Материалы скульптуры — металл, камень, глина, дерево, гипс и др.; методы их обработки — лепка, высекание, литьё, ковка, чеканка и др.

IV. Архитектура.

          Архитектура (греч. αρχη — здесь: основа, происхождение; и лат. tectum — дом, укрытие) или зодчество — это одновременно наука и искусство проектирования зданий. В широком смысле слова архитектура — это организация среды обитания человека, начиная с проектирования городов, вопросов организации городской среды, ландшафтной архитектуры и заканчивая дизайном мебели и внутреннего убранства зданий.

V. Графика.

          Графика — вид изобразительного искусства, использующий в качестве основных

изобразительных средств линии, штрихи и пятна (цвет также может применяться, но, в отличие от живописи, здесь он играет вспомогательную роль).

 

Какие виды и жанры изобразительного искусства представлены на картинке ?
Какие из них тебе знакомы ?

3. Художественный образ – стиль – язык

          

                У каждого времени свое лицо, свой образ, свои мелодии и ритмы. Когда мы видим величественные египетские пирамиды или храм Василия Блаженного, слушаем музыку Баха, Моцарта, Чайковского, читаем былины и народные предания, сочинения Шекспира или Дюма, Пушкина или Чехова, мы проникаемся атмосферой ушедших времен, мы узнаем людей, которые жили тогда. Последующие поколения лучше поймут наше время, если будут слушать музыку, читать книги, рассматривать картины и скульптуры нашей эпохи. Ведь современное искусство — это то, в чем воплощается наш мир, мы с вами. И по тому, что сейчас создано, потомки будут судить о нас.

                 Художник и скульптор, композитор и исполнитель, поэт и писатель, режиссер и актер нуждаются в контакте со зрителем, слушателем, читателем, которые соучаствуют в творческом процессе, сопереживают ему. Чтобы приблизиться к искусству, войти в мир художника, приоткрыть для себя уникальность личности творца, не обойтись без понимания таких категорий, как художественный образ, стиль, язык.

                 Художественный образ — это  обобщенное представление о действительности, выраженное языком искусства отношение к жизни, к окружающему миру. Раскрывая свой внутренний мир, художник всегда настроен на волну своего времени со всеми его тревогами и радостями, предчувствует те или иные перемены. Поэтому и становится возможным создание художественного образа эпохи. 

                 Стиль (от греч. stylos — буквально палочка для письма) означает почерк, совокупность характерных черт, приемов, способов, особенностей творчества. В искусстве различают стиль эпохи (исторический), национальный стиль (принадлежность тому или иному  народу), индивидуальный стиль конкретного художника в широком смысле этого слова. Характеризуя стиль в архитектуре, говорят, что «стиль — это эпоха», в других искусствах — в живописи, музыке, литературе — «стиль — это человек». 

              Язык любого искусства помогает услышать в произведении живой голос художника, многовековую мудрость народа. ыразительность, эмоциональность, образность языка живописи и графики, музыки и скульптуры, поэзии и танца обеспечивают композиция, форма, — фактура, ритм, тон, интенсивность. Это общее — в языке искусств. При этом каждый вид искусства говорит своим языком: живопись — цветом, графика — линией и пятном, скульптура — объемом, музыка — звуком, интонацией, танец — пластикой жестов и движений, литература — словом. Авторы в своих произведениях с помощью специфичных для того или иного искусства средств выражения расставляют смысловые акценты, выделяют самое существенное. Это позволяет им передавать зрителям, слушателям, читателям различные чувства, доносить до них содержание своих произведений. Чтобы научиться разбираться во всем многообразии искусства, надо понять образный строй художественного произведения, принадлежность к определенному стилю, направлению.

                                                 

• К какому стилю — историческому, национальному, индивидуальному — можно отнести эти произведения искусства?

• Какие из этих произведений созданы современными авторами?

• В чем специфика средств выразительности каждого из этих произведений? Какие особенности языка помогают понять и почувствовать эти образы?

• Как вы понимаете выражения: «стиль — это эпоха» и «стиль — это человек»?